"Коварство и любовь" на сцене "Глобуса"

17, 18 мая 2011 года на большой сцене театра состоится премьера спектакля
«Коварство и любовь» по пьесе Фридриха Шиллера.

Постановочная группа:
Режиссер-постановщик – Нина Чусова (Москва)
Сценография и костюмы – Петр Окунев, Ольга Шаишмелашвили (Санкт-Петербург)
Пластика – Юрий Катаев (Москва)

Действующие лица и исполнители:
Фердинанд – Александр Петров
Луиза – Екатерина Аникина
Президент – заслуженный артист России Лаврентий Сорокин, заслуженный артист России Александр Варавин
Миллер – заслуженный артист России Юрий Соломеин
Вурм – заслуженный артист России Илья Паньков
Фон Кальб – Вячеслав Кимаев
Леди Мильфорд – Ирина Камынина

О режиссере
Нина Чусова окончила Воронежский Государственный театральный институт (актерский факультет). Играла в Академическом театре имени М. Горького в Самаре.
В 2001 году окончила режиссерский факультет Российской академии театрального искусства (курс Л. Хейфеца). Поставила спектакли: «Затоваренная бочкотара» В. Аксенова, «Шинель» Н. Гоголя (ГИТИС); «Гедда Габлер» Г. Ибсена (Театр «Сатирикон»); «Шинель» Н. Гоголя, «Герой» Дж. Синга (РАМТ); «Имаго» М. Курочкина (антреприза П. Каплевича); «Двенадцатая ночь» В. Шекспира, «Медведь» А. Чехова (Lime Light Theatre); «Мамапапасынсобака» Б. Срблянович, «Гроза» А. Островского (Театр «Современник»); «Вий» Н. Гоголя, «Сон в шалую ночь» В. Шекспира (Театр имени А. С. Пушкина), «Энни» (проект продюсерской компании «Леге Артис»), «Крошка Цахес» Э.-Т. Гофмана, «Ревизор» Н. Гоголя (Театр им. Моссовета); «Екатерина Великая» (Свердловский театр музыкальной комедии), «Лисистрата» Аристофана (Омский театр драмы) и др.
Лауреат премии «Московские дебюты» (2001), премий «Чайка», «Гвоздь сезона».
Спектакли режиссера участвовали в Международных фестивалях в Мюнхене, Афинах, Международном шекспировском фестивале в Крайове (Румыния), фестивале «Русские сезоны» (Япония).
В 2009 году открыла собственный театр – «Свободный театр Нины Чусовой». Первая постановка – спектакль «Портрет» Н. Гоголя.
В Новосибирском академическом молодежном театре «Глобус» поставила спектакль «Женитьба» Н. Гоголя (2006). Работала над спектаклем «Каштанка» А. Чехова (2008) в качестве художественного руководителя постановки, сценографа и художника по костюмам.

Об авторе
Фридрих Шиллер (1759–1805) – немецкий поэт, философ, историк, теоретик искусства и драматург, представитель романтического направления в литературе.
Родился в городе Марбах-на-Неккаре в семье полкового фельдшера. В детстве Шиллер хотел стать священником, но на него обратил внимание Вюртембергский герцог, и Шиллер получил возможность учиться в элитной военной академии. Он изучал там юриспруденцию и медицину, но сердце его лежало к литературе – еще в школьные годы Шиллер пишет свои первые произведения.
В 1770 году Фридрих Шиллер окончил Академию и стал военным врачом. Профессия не доставляла ему радости, и он тайно писал свою первую пьесу «Разбойники». В 1799 году Шиллер переехал в Веймар. В это время им были написаны пьеса «Дон Карлос» и драма «Мария Стюарт». В 1780 году он получил пост полкового врача в Штутгарте.
После постановки пьесы «Разбойники» в Мангейме в 1782 году Шиллер был посажен на гауптвахту. Ему было запрещено публиковаться. Он бежал из Штутгарта в 1783 году.
В этом же году из-под его пера вышла пьеса «Коварство и любовь», которая впоследствии была поставлена в том же Мангеймском театре. Премьера пьесы, повествующей о коварных интригах, приведших к краху искренней любви между дворянином и мещанкой, состоялась 13 апреля 1784 года во Франкфурте-на-Майне. Первоначальное название драмы «Луиза Миллер» по имени главной героини, дочери музыканта, было изменено на «Коварство и любовь» по предложению актера Августа Вильгельма Иффланда (1759–1814).
Известнейшие баллады Шиллера (1797) – «Кубок», «Перчатка», «Поликратов перстень», «Ивиковы журавли» – стали знакомы российским читателям после переводов В. А. Жуковского. Мировую известность получила «Ода к радости» (1785) поэта, музыку к которой написал Людвиг ван Бетховен.
В июле 1787 года Шиллер покинул Дрезден, где гостил у одного из своих почитателей, и до 1789 года жил в Веймаре. В 1789 году он был назначен профессором истории и философии в университете Йены, а в 1790 году женился на Шарлотте фон Ленгефельд. В этом браке у них родились два сына и две дочери.
Шиллер вернулся в Веймар в 1799 году и стал издавать на деньги меценатов несколько литературных журналов. Став близким другом Гёте, Шиллер вместе с ним основал Веймарский театр, ставший ведущим театром Германии. В 1802 году император Священной римской империи Франц II пожаловал драматургу дворянство.
Поэт остался в Веймаре до своей смерти. В 1805 году Шиллер умер от туберкулеза в возрасте 45 лет.
Сочинения Шиллера были восторженно восприняты не только в Германии, но и других странах Европы. Доступные языковые средства и меткие диалоги превратили многие строчки поэта в крылатые выражения. В 1859 году столетие со дня рождения Шиллера отмечалось не только в Европе, но и в США. Произведения Фридриха Шиллера заучивались наизусть, с XIX века они вошли в школьные учебники.
Из истории постановок пьесы «Коварство и любовь» в России
В России «Коварство и любовь» впервые ставилась (в искаженных переводах и переделках) в конце 80-х гг. XVIII века крепостными театрами и Университетским театром в Москве. В 1827 году состоялась первая постановка без искажений в Петербургском Большом театре. В Малом театре пьеса увидела свет в 1829, 1845, 1874 годах. Александринский театр, начиная с 1845 года, неоднократно обращался к этой пьесе. Произведение Шиллера находило свое сценическое воплощение в Московском театре Елизаветы Горевой (1889), Петербургском Василеостровском театре (1898), Театре Корша (1882, 1892, 1907) и др.
Среди самых известных постановок XX века – спектакль Темура Чхеидзе на сцене Большого драматического театра им. Г. А. Товстоногова (1990) и спектакль Юрия Соломина в Государственном академическом Малом театре (1999).

14 марта 1945 года в Новосибирском театре юного зрителя состоялась премьера спектакля «Коварство и любовь» Ф. Шиллера в постановке Павла Цетнеровича – ученика Всеволода Мейерхольда, главного режиссера Новосибирского тюза с 1941 по 1945 год, заслуженного артиста РСФСР.

Режиссер о спектакле
– Нина, расскажите, как у актрисы самарского театра созрела мысль стать режиссером?
– Всегда хотела быть режиссером! Это у меня в крови. Даже в десятом классе в сочинении на тему «Кем хочу быть» писала: «Хочу быть режиссером». В школе я всегда была культмассовым сектором, всегда сочиняла, придумывала что-то. В пятнадцать лет послала документы во ВГИК. Мне прислали бумажку с ответом, что рановато еще, нужно в общем хоре попеть, прежде чем солировать. Я восприняла это так, что нужно сначала артисткой побыть. После школы я поехала поступать в Москву и единственный вуз, куда я не показалась, был ГИТИС. На него у меня уже не хватило сил, меня не принимали нигде, и я уже начала рыдать: «Мама, поехали домой». В итоге, спустя несколько лет поступила в ГИТИС, только уже на режиссуру. У меня все так, жизнь идет по спирали. После Воронежского театрального института опять поехала в Москву, уже как актриса. Показываться в театры. Смотрел меня и Леонид Ефимович Хейфец, и Константин Аркадьевич Райкин. Не взяли. Я уехала работать в Самару. А позже именно Хейфец стал моим мастером режиссуры, и первый спектакль я ставила в театре у Константина Райкина. Так что жизнь лучше все знает и делает расстановки правильнее, нежели хочется.
– Что для вас означает расти в профессии – увеличение количества приемов или углубление в смыслы драматургии?
– В начале пути всегда содержание отдельно, форма отдельно, и как они соединяются – большой вопрос. Молодой режиссер видит только частичку от целого. Но чем дольше ты в профессии, тем скорее тебе в голову приходит решение, ключ. Мне уже не нужно сидеть над пьесой с ручкой и записывать каждый ход по репликам. Я сейчас пьесу с собой даже не ношу, потому что знаю ее наизусть. Она у меня раскладывается по файлам в голове сразу. Это и есть опыт. Ты постепенно учишься видеть все целиком. Думаю, что у гениального режиссера все возникает, как только он берет материал. Он знает все про текст, про то, как делать спектакль, про сверхзадачи, и это все у него совпадает в гармонии.
– После выпуска спектакля у вас возникает чувство удовлетворения?
– Все мы идем в профессию режиссера, чтобы получить эйфорию в конце. Но со временем понимаешь, что такое истолкование профессии неверно. Ожидаемой эйфории никогда нет. Еще в момент репетиции ты можешь на нее надеяться, и это тебя бодрит и ведет к финалу. Но в финале ничего кроме самобичевания нет. В момент выпуска и премьеры ты его не отпустил от себя, он вызывает в тебе бурные эмоции. Я вообще не могу смотреть свои премьеры. Мне кажется, что зрители видят все огрехи и это катастрофа. Даже если будут хвалить, ты сам не бываешь доволен. Так что после выпуска надо переключать внимание на что-то другое, желательно без перерыва. Иначе начнется анализ, и депрессия тебе обеспечена. Чтобы суметь понять и оценить то, каким спектакль получился, нужно абстрагироваться от него. К своим давнишним спектаклям я могу относиться, как будто не я их делала. Там была другая Нина. С другим мировоззрением. И спектакль выражал определенную точку зрения на определенный период времени.
– Поставленная вами драматургия в основном принадлежит классике. Она вам ближе?
– У нас в России есть проблема с молодыми драматургами. Наши драматурги находятся в состоянии социальной раздраженности. Их интересует не конструктив, а чернуха. Эти темы надоедают, и все про это написано в прошлом веке: уже все умерли от наркотиков, все повесились. Хочется некоего шекспировского полета, обобщения эпохи. А пока этого в сегодняшней драматургии не возникает. У Гоголя, у Гофмана так все красиво написано! И потом с жестокостью у меня как-то не получается… Нет желания ставить про это. Читать могу, смотреть могу. Я всего Мак Донаха прочитала, и мне в принципе понравилось. Но его герой мне не близок. Я люблю, чтобы зритель плакал, смеялся, и внутри него оставалась здоровая нота, надежда, что все будет хорошо. А когда зрители плачут, смеются, но уходят после спектакля с чувством безысходности, мне сразу плохо становится. Я так устроена. Но это нормально! Потому что есть другие режиссеры… Например, Кирилл Серебренников гениально делает такие вещи.
– Вы долго вынашиваете идею спектакля?
– Материал приходит ко мне сам. Я не могу вычитывать его, выискивать. Я могу перебрать кучу литературы, но мне ничего не понравится, не откликнется во мне. Пьеса всегда приходит сама. Находит тебя, попадает в сердце, и с этого момента начинается разработка. Весь мозг начинает работать на этот материал. Почерпнуть идеи можно из совершенно разных областей: из художественной литературы, рисования, из йоги, из психологии… Сведения оттуда перерабатываются, а потом из них берутся приемы, которые впоследствии называются театральными. Как мозаика спектакль складывается по кусочкам. Слышу вдруг музыку и понимаю, что она подойдет для «Коварства и любви». Потом со временем действия определилась… И раз – у тебя целая картинка. Этот процесс может идти год, а может и неделю. В зависимости от того, как резонирует твой организм. Но бывает, что приходится делать работу на заказ. Например, ледовые шоу для Татьяны Тарасовой. Здесь уже на первый план выходит ремесло. Нужно технически подойти к делу, заставить себя все расписать, чтобы было четкое понимание, что все находится на своем месте. И тут ты учишься технологии, которая тебе также очень пригодится.
– Новый век вернул в нашу жизнь слово «пафос» в новом значении. С точки зрения современности, «Коварство и любовь» весьма пафосная вещь. Во многом за счет языка произведения. Как вы собираетесь с этим справляться?
– Когда артисты первый раз прочитали пьесу, у них был ужас в глазах. Что делать с этими неподъемными фразами?! И я им сказала, что мы попробуем найти ключ к словам. И когда мы стали следить за сюжетом, разбираться в поступках, характерах, стало видно, что все пафосные слова оправданы. Мы, прежде всего, оправдали произнесение этого непростого текста. Следующей задачей было наложить его на происходящее так, чтобы это выглядело естественно. Потому мы начали моделировать ситуации, смотреть, что в них происходит. Это очень интересная работа, и артисты ей увлечены. С каждой репетицией текст как будто бы упрощается. Мы стараемся вернуть искренность восприятия красивых, высоких слов. Так что в спектакле текст не будет слушаться как пафосный. Но не потому, что мы цинично к нему отнеслись.
– Шиллер остался в истории театра как драматург-просветитель. Спектакли по его пьесам и сегодня должны продолжать эту традицию? И какой смысл, на ваш взгляд, современный театр имеет в жизни зрителя?
– Театр всегда приложение к тому строю, который существует в стране. И он всегда в определенной степени будет нести идеологию, которая у нас пропагандируется. Но и воспитывать он тоже будет. Ведь про что «Коварство и любовь»? Про то, что в мире произошла подмена любви на секс. Про то, что самое главное – быть успешным, совершить сделку. И про то, что два человека могут любить друг друга. Не делать выгодные партии, а просто могут полюбить. Главная героиня, Луиза Миллер, по моему ощущению, как Мадонна. Она абсолютно святой человек. Ее мучают, истязают, на нее навешивают кучу лжи, и она прорывается сквозь это непротивлением. Она ни с кем не вступает в борьбу и выигрывает.
Тема этого спектакля для меня очень современна. Тем более, там идет речь о тоталитарном государстве. Германия, где каждый шпунтик, каждый винтик должен быть на своем месте. И вдруг у этих шпунтиков-винтиков появляется другая вибрация! Любовь разрушает устои, принципы. Это мощная сила, которая в силе не выражается. И в спектакле подтекстом будут звучать вопросы к зрителям: все ли у вас в порядке? Все ли настройки у вас на тех частотах, которые должны быть у Человека, а не жителя некоего общества? С одной стороны, кажется, что роли у театра никакой нет. А с другой стороны, она велика! Люди приходят сюда, чтобы получить ответ на интересующий их вопрос. При этом вопрос может быть не сформулирован, и они могут думать, что идут, чтобы их просто повеселили. Я – за театр! Мы в театре создаем некие символы, некие коды для решения различных проблем. Так что театр не такое уж банальное место. Он никогда не умрет. Хотя со временем может произойти его трансформация и выход на новый уровень. Как сказал апостол Павел: «Не все мы умрем, но все изменимся». И даже если все рухнет, то обязательно понадобится театральная фантазия, мечта. Хотя бы для того, чтобы просто улучшить настроение в самых плохих обстоятельствах.